ピカソ、ダリと並び、20世紀スペインを代表する芸術家の一人として知られるジョアン・ミロ。モンジュイックの丘に建つミロ美術館には、初期作品から晩年の代表作まで数多くの作品が収蔵されています。
ここでは単なる作品紹介に留まらず、ミロの人生や時代背景、そして作品に込められた意味にも触れながら、美術館の見どころを詳しく解説していきます。
目次
概要
スペイン近代美術を代表する巨匠の一人、ジョアン・ミロ。
1968年、ミロは長年温めていた構想を実現するため、美術評論家であり親友でもあったジョアン・プラッツと共に美術館の計画をスタートさせました。そして7年後の1975年6月10日、モンジュイックの丘にミロ美術館を開館します。
ところで、ミロが目指したのは単なる個人美術館ではありませんでした。彼は自分の作品を展示するだけでなく、若い芸術家たちを支援し、新しい芸術が生まれる場を作りたいと考えていたのです。
その理念は現在も受け継がれており、美術館内にある「Espai 13（エスパイ13）」は若手アーティストの発表の場として利用されています。また、1986年には建物が増築され、講堂や図書館が加わりました。
その結果、ミロ美術館は単なる作品展示施設ではなく、現代芸術の活動拠点としての役割も担うようになっています。
現在、ミロ財団のコレクションは絵画217点、彫刻178点、テキスタイル作品9点、陶芸作品4点、さらに約8,000点のドローイングや版画作品を含む14,000点以上にのぼります。
ミロの生涯をたどるだけでなく、彼が次世代へ託した芸術への思いも感じることができる。それがこのミロ美術館の大きな特徴です。
ミロの代表作
明けの明星（1940）（ジョアン・ミロ財団所蔵）
ピカソやダリと同じく、ミロも生涯を通して作風を大きく変化させた芸術家です。その中でも代表作として挙げられるのが、スペイン内戦から第二次世界大戦にかけて制作された「星座シリーズ」。
多くの美術評論家からミロ芸術の到達点の一つと評価されており、現在でも最も人気の高い作品群となっています。
また、初期の代表作である「農園」も見逃せません。この作品は作家アーネスト・ヘミングウェイが友人や知人から借金をしてまで購入したことで知られています。
個人的には、余計な要素を極限まで削ぎ落とした「青」の三部作も非常に印象的です。わずかな色と線だけで構成されながら、強烈な存在感を放っています。
さらに晩年になると、ピカソと同様に作品はより自由で奔放なものへと変化していきます。子供の落書きを思わせるような絵画や彫刻も多くなり、その変化を追うのもミロ芸術の楽しみの一つです。
既にミロ作品をご存知の方には不要かもしれませんが、初めて本格的にミロに触れる方は、美術館を訪れる前にその生涯と芸術の変遷を知っておくと作品がより理解しやすくなるでしょう。
以下、ミロのプロフィールを時代ごとに解説していきます。
ジョアン・ミロ 年表
生涯にわたり創作活動を続けたジョアン・ミロ。
以下、ミロの人生における主な出来事を年表形式でまとめてみました。
その長い人生の中でも大きな転機となったのは、1911年の病気による療養生活です。当時、父親の意向で商業学校を卒業し会社勤めをしていたミロでしたが、病気と過労により仕事を辞めることになります。
この療養期間中に、自らの人生を見つめ直したミロは画家になる決意を固めました。
そしてもう一つの大きな転機が1920年のパリ行きです。当時のパリは世界の芸術の中心地であり、ミロはそこでピカソをはじめとする前衛芸術家たちと交流し、大きな影響を受けることになります。
その後のミロ芸術を理解するうえでも、この二つの出来事は欠かせません。
| 1893年 | 4月20日、スペイン バルセロナで生まれる。 |
| 1900年 | 小学校に入学、ドローイング（素描）を学ぶ。 |
| 1907年 | 中学卒業後に商業学校へ通うと同時に美術学校へも通う。 |
| 1910年 | ダルマウ・オリベ商会の簿記係りとして就職。両親がムンロッチに農場を購入。 |
| 1911年 | 腸チフスとうつ病を発し退職。ムンロッチで療養。 |
| 1912年 | 画家になることを決意。 |
| 1915年 | バルセロナで毎年3か月この年より合計3年間、兵役に就く。 |
| 1920年 | パリ訪問。ピカソと交友を結ぶ。この年より毎年、冬をパリで過ごす。 |
| 1921年 | パリで最初の個展を開くが、不成功に終わる。 |
| 1926年 | ロシアバレエ団「ロミオとジュリエット」の舞台装置を手掛ける。 |
| 1929年 | パルマ・デ・マヨルカでピラール・ジュンコサと結婚。 |
| 1936年 | スペイン内戦（市民戦争）が勃発し、フランスに亡命。 |
| 1937年 | パリ万博のため壁画大作「刈り入れ人」を制作。 |
| 1940年 | 「星座シリーズ」の製作開始。スペインに帰国。 |
| 1941年 | ニューヨークにてジョアン・ミロ回顧展が開催される。 |
| 1947年 | 米国を訪問。 |
| 1953年 | 陶器の連作を開始。 |
| 1956年 | パルマ・デ・マヨルカに移住。新しいアトリエを建設。 |
| 1958年 | パリユネスコ本部の壁画を制作。 |
| 1980年 | スペイン政府より芸術金賞を受賞。 |
| 1983年 | 12月25日マヨルカ島で死去。 |
 |
【私生活、家族との関係】 ミロはスペインの前衛芸術の3大巨匠の1人ですが、何度となく女性関係で話題をまいたピカソ。 |
| 父親や妹との家族関係を破壊させてしまったダリなどとは違い、私生活でのトラブルやゴシップで世間を騒がせることはありませんでした。その点で、ミロは社会人として3人の中で一番まともな人だったと言えるのかも知れません。 | |
学生 – 前衛芸術時代
1912 – 1922
ピカソやダリと違い、ミロが本格的に芸術家の道を歩み始めたのは1912年、すでに社会人となってからのことでした。
子供の頃から絵を描くことが好きだったミロですが、父親は息子に安定した職業についてほしいと考え、商業学校へ進学させます。ただし芸術への情熱を諦めきれなかったミロは、「趣味の範囲なら」という条件で、バルセロナのラ・リョッチャ美術学校の夜間クラスへ通うことを許されました。
ちなみに、この美術学校にはかつてピカソも在籍していました。その後、15歳で商業学校を卒業したミロは薬剤問屋の簿記係として働き始めます。
しかし本人の望まない仕事だったこともあり、過労と精神的なストレスから体調を崩し、さらに腸チフスを患って退職することになります。
療養のため、ミロはバルセロナから約120キロ離れたムンロッチの村にある家族の別荘で静養することになりました。そして、この療養生活こそがミロの人生最大の転機となります。
自然に囲まれた環境の中で過ごすうちに、自分が本当にやりたいことは安定した会社員になることではなく、絵を描くことだと確信するようになったのです。
やがて父親を説得し、その熱意が認められたミロは、ついに本格的に芸術家への道を歩み始めました。
学生時代
※バルセロナのミロ美術館所蔵作品には★印
1912年から1915年にかけて、ミロはバルセロナのガリ美術学校で本格的に芸術を学びます。
校長のフランセスク・ガリは革新的な教育者として知られ、伝統的な技法だけでなく、当時の最新の芸術潮流を積極的に取り入れていました。
その教育方針は授業にも反映されていて、生徒たちは目を閉じたまま対象物に触れ、その感触だけを頼りにデッサンを行うというユニークな訓練を繰り返しました。
これは単なる形の再現ではなく、対象の本質を感じ取る感覚を養うことを目的としたものです。この経験はミロの観察力と想像力を大きく伸ばし、人物デッサンの技術も飛躍的に向上しました。
また、正統派の絵画にこだわらないガリのもとで学んだことで、ミロは当時まだ前衛的と見なされていたゴッホ、セザンヌ、マティスらの作品にも触れる機会を得ます。
この時期に描かれた「ムンロッチの浜辺」「サン・ジョアン・ドルタ教会」「プラデスの道」には、そうした画家たちの色彩や筆致の影響を見ることができます。
細密主義の時代
1918年の夏、ミロはかつて病気療養をしたムンロッチの村で久しぶりに夏を過ごしました。静かな田舎での日々は、ミロの作風に大きな変化をもたらします。
それまでバルセロナで学んだフォービズムの鮮やかな色彩は次第に影を潜め、その代わりに畑の土や農村の風景を思わせる落ち着いた色調がキャンバスを占めるようになります。
また、感覚や印象を重視していた従来の表現から離れ、中世の細密画を思わせるほど対象物を緻密に描き込むようになりました。
これが後に「細密主義時代」と呼ばれるミロの代表的な時期です。この時代の代表作である「椰子の木のある家」や「ムンロッチ村と教会」を見ると、その特徴がよく分かります。
木々の葉、畑の畝、地面に転がる石、建物の小さなひび割れに至るまで、本来であれば風景画の中で見過ごされがちな細部が驚くほど丁寧に描かれています。
また、「少女の肖像」では近所の農家の娘をモデルにしていますが、この作品には当時ヨーロッパで流行していた日本の浮世絵の影響を見ることができます。
結い上げた髪型や、あえて単純化された顔立ちや衣服の表現は、どこか神秘的で独特な雰囲気を生み出しています。
ミロはこの時期、細密な描写を追求すると同時に、日本の浮世絵やカタルーニャ地方のロマネスク絵画にも強い関心を寄せていました。
農園 （1921-1922）（ワシントンナショナルギャラリー所蔵）
そして1922年、ミロは細密主義時代の頂点とも言える代表作「農園」を完成させます。この作品には、ムンロッチの農園で営まれる日々の暮らしが描かれています。
キャンバスには家畜や植物、農具などが驚くほど細かく描き込まれている一方で、場面構成や遠近法にはキュビスムの手法も取り入れられており、単なる写実画には留まっていません。
何度も修正を重ねながら完成までに約半年を費やしたこの作品は、現在でもミロ初期の最高傑作の一つと評価されています。
しかしミロ自身は、この作品を完成させたことで細密描写への興味を失い、次第にシュルレアリスムへと傾倒していきます。
後年、「農園」の評価が高まるにつれ、多くの芸術家や友人たちは再びこの画風へ戻るようミロに勧めました。それほどまでに完成度の高い作品だったのです。
しかしミロは過去の成功に留まることを望まず、その忠告に従うことはありませんでした。ちなみに、この作品は作家アーネスト・ヘミングウェイが購入したことでも有名です。
当時パリで親交のあったヘミングウェイは、この絵をどうしても手に入れたいと思い、友人や知人を駆け回って資金を集め、借金までして購入したと言われています。
ヘミングウェイは後に、「この一枚の絵の中には、スペインについて私が愛するすべてのものがある」と語っています。
なお、「農園」はヘミングウェイの死後、1987年に妻のメアリー・ヘミングウェイによってワシントンのナショナル・ギャラリーへ寄贈され、現在も同館に所蔵されています。
シュルレアリスム 1923 – 1934
1920年代後半、パリの芸術界を席巻したのがシュルレアリスム（超現実主義）でした。この芸術運動は、精神分析学の創始者として知られるジークムント・フロイトの理論に影響を受けて生まれたものです。
シュルレアリストたちは、それまでの芸術は目に見える現実を表面的に描いているに過ぎず、人間の本当の姿である無意識や深層心理を表現できていないと考えました。
そこで夢や空想、偶然性などを利用し、現実には存在しない世界、いわゆる「超現実」を描こうとしたのです。
当時パリで活動していたミロも、この新しい芸術運動に強く惹かれました。常に時代の最先端の芸術に関心を持っていたミロにとって、シュルレアリスムは極めて魅力的な思想だったのでしょう。
やがてミロの作風は大きく変化していきます。
それまでの細密な描写は次第に姿を消し、夢の中のような不思議なイメージが画面を支配するようになります。また、生涯にわたって繰り返し登場する「女性」「星」「鳥」といったシンボルも、この頃から作品の中に現れるようになりました。
後に世界中の人々が思い浮かべる「ミロらしい作品」は、このシュルレアリスム時代にその原型が形作られたと言えます。
【新たな表現の開始】
1923年、ミロはそれまで追求してきた細密主義に終止符を打ちます。ここから彼は現実を忠実に描くことよりも、想像力や内面の世界を表現することに重点を置くようになりました。
その転換を象徴する作品が「耕地（La Terra Llaurada）」です。描かれている場所やテーマは、それまでの代表作「農園」と基本的に同じですが、その違いは一目瞭然です。
家畜や植物、建物などはもはや現実の姿ではなく、変形され、記号のような存在へと変わっています。そのため初めて見る人には、何が描かれているのか分からないかもしれません。
しかし、この作品こそが後のミロ芸術の出発点となりました。さらに1924年から1925年にかけて、ミロは新しい画風をさらに発展させる実験として「アルルカンのカーニバル」に取り組みます。
そこに描かれているのは実在する風景ではありません。舞台となっているのはミロ自身のアトリエですが、その空間は現実から切り離され、奇妙な生き物や不思議な記号が飛び交う空想の世界へと変貌しています。
この作品によって、ミロはシュルレアリスムを代表する画家の一人として国際的な評価を得るようになりました。
【栄養失調を着想源に】
意欲的な創作活動を続けていたミロですが、作品はほとんど売れず、生活は困窮を極めていました。それでも創作を諦めることなく、パリの小さなアトリエで制作を続けます。
そんな生活の中で、ミロは興味深い体験をするようになります。
空腹のまま長時間アトリエの壁を見つめていると、壁の染みや傷が次第に奇妙な形や生き物のように見えたり、現実と空想の境界が曖昧になったりすることがあったのです。
後年ミロは、当時の空腹から生じた幻覚や空想が作品に影響を与えたことを認めています。そして、それらのイメージをノートに書き留め、新しい作品の着想源として利用しました。
こうして生まれた奇妙な生き物や記号のような形は、やがてミロ芸術を象徴する重要な要素となっていきます。
1926年、長く困窮していたミロの人生に大きな転機が訪れます。画商ジャック・ヴィオと契約を結び、同年6月にパリのピエール画廊で開催した個展が成功を収めたのです。
多くの作品に買い手が付き、貧困との戦いを続けていたミロは、ようやく芸術家としての地位を確立し始めます。個展を終えたミロは、故郷ムンロッチの農園へ戻り、久しぶりに穏やかな夏を過ごしました。
しかし、その頃の作品は成功によって保守的になるどころか、むしろさらに大胆な方向へ進んでいきます。それまでの作品に残っていた細かな描写は次第に姿を消し、形や色はより単純化されていきました。
その代表例が、青一色の背景に白い手だけを描いた「絵画（白い手袋）」です。また、「カタルーニャの農夫の頭」では、近所の農夫を題材にしながらも、現実の人物像というより象徴的な記号へと変化しています。
こうしてミロは、現実を再現する画家から、最小限の形と色で世界を表現する画家へと歩みを進めていくことになります。
【オランダ室内シリーズ】
1928年の春、ミロは17世紀オランダ絵画の巨匠たちの作品を見るため、オランダとベルギーを旅しました。
この旅行はミロに大きな刺激を与えます。そして同年の夏、いつものように故郷スペインへ戻ったミロは、「オランダの室内シリーズ」と呼ばれる3点の作品を制作しました。
これらはオランダで見たお気に入りの絵画を出発点としながらも、単なる模写ではなく、ミロ独自の解釈を加えて再構成した作品です。
代表作として知られるのが、ヘンドリック・マルテンス・ゾルフの「リュートを弾く若者」を題材とした「オランダの室内Ⅰ」、そしてヤン・ステーンの「踊りのレッスン」を題材とした「オランダの室内Ⅱ」です。
ミロは制作にあたり、アムステルダムの美術館で購入した絵葉書を参考にしながら、実際に作品を見た時の印象や記憶を加えて描き上げました。その結果、元の作品の面影を残しながらも、人物や楽器は奇妙に変形され、完全にミロの世界へと生まれ変わっています。
こうした試みは、後にピカソが取り組んだ「ラス・メニーナス」シリーズにも通じるものがあります。20世紀の前衛芸術家たちは、過去の巨匠たちの作品を単に模倣するのではなく、自らの視点で再解釈することで新しい表現を生み出そうとしました。
そしてそれは実験であると同時に、偉大な先人たちへの敬意とオマージュでもあったのです。
【コラージュと新たな表現】
1929年10月、ミロは恋人のピラール・ジュンコサ・イグレシアスと結婚します。私生活が安定する一方で、芸術家としてのミロは新たな表現を模索し続けていました。
この頃からコラージュに強い関心を抱くようになり、「デッサン＝コラージュ（プラッツに捧げる）」をはじめとする実験的な作品を発表します。
またミロは、当時のブルジョワ社会や、それを支える伝統的な芸術の価値観に対して批判的な姿勢を強めていきました。特に芸術作品が市場で売買され、金銭的価値によって評価されることに強い違和感を抱いていたと言われています。
そうした考えからミロは1927年、「絵画の抹殺（Assassinat de la peinture）」を宣言しました。これは文字通り絵画を否定するという意味ではなく、それまでの絵画の常識や表現方法を打ち破ろうとする試みでした。
その結果、ミロは紙切れ、石、砂、銅板、ボール紙など、それまで芸術作品には用いられなかった様々な素材を作品に取り入れるようになります。同時に油彩画においても変化が進み、シュルレアリスムに傾倒し始めた1920年代前半の作品と比べると、その表現はさらに単純化され、記号化されていきました。
そしてこの頃には、「女性」「鳥」「星」といったモチーフを中心とする、後に世界中で知られるミロ独自の造形言語がほぼ完成したと言えるでしょう。
野生の絵画 1934 – 1938
1930年代に入ると、スペインの政治情勢は急速に悪化していきます。左派と右派の対立は深まり、それまでの社会のあり方を巡って国全体が二つに分断されていきました。
そして1936年、人民戦線政府とフランシスコ・フランコ率いる反乱軍との間で内戦が勃発します。後に数十万人もの犠牲者を出すことになるスペイン市民戦争の始まりでした。
若い頃からミロは政治運動とは一定の距離を保ちながら創作活動を続けていました。しかし社会全体が混乱へ向かう中、芸術家である彼もまた時代の影響から逃れることはできませんでした。
実際、内戦前夜とも言える1934年頃から、ミロの作品にはそれまでとは異なる緊張感や不安感が現れ始めます。そして彼は、これまでの夢や空想の世界とは異なる、新たな表現へと向かっていくことになります。
不気味な怪物たちの登場
1934年10月、ミロは後に自ら「野生の絵画」と呼ぶことになる15点のパステル画シリーズの制作を開始します。これらの作品は、それまでの夢見るようなシュルレアリスム作品とは大きく異なります。
画面には不安定で奇怪な生き物たちが現れ、どこか不気味で落ち着かない空気が漂っています。まるで何か悪い出来事の到来を予感しているかのような世界です。
当時のスペイン社会は政治的対立が深まり、内戦前夜とも言える緊張状態にありました。そのため多くの研究者は、この時期の作品にミロ自身の不安や社会への危機感が反映されていると考えています。
代表作の一つ「排泄物の山を前にした男と女」では、男女が互いに手を伸ばしているように見えます。しかし実際には、その動きは途中で止まり、二人が結ばれることはありません。
さらに誇張された身体表現や極彩色の色使いは、不安や欲望、嫌悪感が入り混じった複雑な感情を生み出しています。また、画面の大部分を占める重苦しい黒い空と、その向こうに描かれた排泄物の山は強烈な印象を残します。
後にスペイン市民戦争が勃発したことを考えると、この作品は時代の不穏な空気を鋭く感じ取っていたミロの心情を映し出したもののようにも見えます。
争いの時代
ミロの不安は、1936年についに現実のものとなります。この年、スペイン市民戦争が勃発しました。
同じ頃、ミロはメゾナイトと呼ばれる木製の合板を用いた27点の連作絵画の制作に取り組みます。これらの作品では、それまでの「野生の絵画」に登場していた怪物たちも姿を変え、形は極限まで単純化されていきます。
画面に残されているのは、もはや人物や生き物ですらなく、不安や恐怖そのものを思わせる記号や線でした。
後年、なぜこのような画風へ変化したのかと問われたミロは、「メゾナイトにはあらゆる叫びの力がある。ただそれだけだ」と語っています。
そこには内戦によって引き裂かれていく祖国への悲しみや、スペイン人同士が殺し合う現実を前にした無力感が込められていました。
それまでミロは政治的な問題に直接関わることを避けてきました。しかし、自身の家族や妻の家族が戦乱の中に置かれる状況となり、ついに沈黙を守ることができなくなります。
そして共和国政府を支援するために制作したのが、ポスター「Aidez l’Espagne（スペインを救え）」でした。
そこには大きく、AIDEZ L’ESPAGNE（スペインを助けてください）という言葉が掲げられています。それは芸術家ミロによる政治的主張というよりも、内戦に苦しむ祖国へ向けた悲痛な叫びだったのかもしれません。
スペインを救え（ 1937）
ミロ世界の確立 1939-1950
スペイン市民戦争の終結から間もない1939年、今度は第二次世界大戦が始まります。これにより、パリを中心として発展してきたヨーロッパ前衛芸術の世界は大きな打撃を受けました。
またスペインでも、内戦に勝利したフランコ将軍による独裁体制が始まり、前衛芸術やカタルーニャ文化は厳しい弾圧と検閲の対象となります。
こうしてミロは、フランスとスペインの両方で活動や作品発表の場を失うことになりました。しかしミロは、この状況を単なる不幸として受け止めませんでした。
むしろ外部との関わりが断たれたことで、自分の内面と向き合い、創作に集中できる時間を得たと考えたのです。そして、この時期にそれまで積み重ねてきた作品やアイデア、造形上の発見をさらに発展させていきます。
皮肉なことに、芸術家として最も孤立した時代が、後にミロ芸術の成熟期へとつながっていくことになるのです。
星座シリーズ
第二次世界大戦が始まる直前の1939年夏、ミロは危険なパリを離れ、妻と一人娘を連れてフランス北西部のノルマンディへ疎開します。大都会の喧騒から離れ、自然豊かな環境で暮らすうちに、ミロは再び自分自身と向き合うようになりました。
その変化は作品にも表れています。同年8月から12月にかけて制作された「星座の間の女と彗星」では、「野生の絵画」に見られた不安や攻撃性はほとんど姿を消し、厳しい現実から離れようとするかのような静かな世界が広がっています。
そして1940年1月、ミロは後に代表作となる「星座シリーズ」の制作を開始します。全23点からなるこの連作はノルマンディで描き始められましたが、その後ドイツ軍によるフランス侵攻が始まったため、ミロは再びスペインへ戻ることになります。
それでも制作は中断されることなく続けられ、約2年後、故郷ムンロッチで完成しました。このシリーズでは、星や月、鳥、人間などのモチーフが複雑に絡み合いながら画面全体を埋め尽くしています。また、ミロが制作中によく聴いていたモーツァルトやバッハの音楽も重要な役割を果たしました。
画面に散りばめられた形や線は、まるで音楽のリズムや旋律を視覚化したかのようです。「星座シリーズ」で確立された女性、鳥、月、星といったモチーフは、その後のミロ芸術を象徴する重要な主題となり、生涯にわたって繰り返し作品の中に登場することになります。
また、多くの美術評論家は、この「星座シリーズ」をミロ芸術の一つの到達点と評価しています。
国際的な評価と成功
「星座シリーズ」の完成後、ミロの作品はさらに新しい段階へと進みます。絵の具をキャンバスに滴らせたり、表面を引っかいたりするなど、それまでにない表現技法を積極的に取り入れるようになりました。
一方で、描線はより繊細に、色彩はミロらしい鮮やかな純色へと洗練されていきます。1945年には、ニューヨークで画商ピエール・マティスが運営する画廊において「星座シリーズ」の展覧会が開催されました。
この展覧会は大きな成功を収め、ミロの評価はヨーロッパだけでなくアメリカにも広がります。こうしてミロは、国際的な前衛芸術家としての地位を確立していきました。
その後1956年、ミロは妻の故郷であるマジョルカ島を終の住処と定め、広大な土地を購入します。そこには住居だけでなく、自らの理想を実現できる広いアトリエも建設されました。
以後のミロは、これまで以上に自由な環境で制作を続け、作品は次第に大型化していきます。その代表作の一つが、パリのユネスコ本部を飾る巨大な陶壁画「月の壁」です。
また、日本との関わりも見逃せません。1970年の大阪万博では、ガス・パビリオンのためにミロ自ら来日し、陶壁画「無垢の笑い」を制作しました。
この作品は現在、大阪の国立国際美術館に移設され、一般公開されています。こうして晩年のミロは、絵画だけでなく陶芸や彫刻、壁画など様々な分野へ活動の幅を広げていくことになります。
シンプルの追求 1960 – 1969
マジョルカ島へ移り住んだことによる環境の変化は、ミロの芸術を新たな方向へ向かわせるきっかけとなりました。
1960年代に入ると、それまで培ってきた表現を土台としながらも、最小限の要素で最大限の効果を生み出そうとする、より直接的で簡潔な作風へと変化していきます。
画面から余計なものは次々と削ぎ落とされ、残されるのは数本の線と限られた色だけ。しかし、その単純化された表現の中には、長年にわたる創作活動で培われた経験と探求の成果が凝縮されていました。
1940年代以降、アメリカで隆盛した抽象表現主義は世界の美術界に大きな影響を与えました。ミロもまた、ジャクソン・ポロックやマーク・ロスコといった画家たちの作品に刺激を受け、新たな観点から絵画表現を模索するようになります。
その一例が1960年に制作された「自画像」です。この作品は、もともと1937年から1938年にかけて描かれた自画像を22年後に再び取り出し、大胆に加筆したものです。
元の絵では顔の細部まで丁寧に描かれていましたが、ミロはそこに太い黒線や鮮やかな赤の線を加え、原画をほとんど別の作品へと変貌させました。過去の自分自身の作品を素材として再解釈した点でも興味深い作品と言えます。
また、抽象表現主義からの影響は、ミロ晩年の代表作「青Ⅰ・Ⅱ・Ⅲ」にも見ることができます。ミロはシュルレアリスム時代から青を「夢の色」と考えていました。
この三部作では、広大な青色でキャンバス全体を覆い、その上にわずかな線や点だけを配置しています。
そこには余計なものを極限まで削ぎ落とし、空間そのものが持つ力を引き出そうとする意図が感じられます。静かに広がる青の世界は、見る人を深い瞑想や水面の静寂にも似た感覚へと誘います。
多くの美術評論家が、この「青」三部作をミロ芸術の到達点の一つと評価しているのも、そのためでしょう。
1966年、ミロは東京国立近代美術館と京都国立近代美術館で開催された回顧展に合わせ、初めて日本を訪れました。若い頃から日本の浮世絵や東洋文化に強い関心を抱いていたミロにとって、この訪日は特別な意味を持つものとなりました。
滞在中、ミロは禅の思想や日本の書道に深い感銘を受けます。特に、余計なものを削ぎ落とし本質だけを残そうとする東洋的な美意識は、当時すでに単純化へ向かっていたミロの芸術観と共鳴したと言われています。
その影響は、その後に制作された「L’Or de l’Azur（紺碧の金）」をはじめとする作品にも見ることができます。
ただし、ミロは日本文化をそのまま模倣したわけではありません。あくまで自らの芸術の延長線上で吸収し、自身の表現へと取り込んでいきました。
また、日本滞在中には新聞に掲載されていた江戸時代の禅僧・仙厓義梵の有名な作品「○△□（円相・三角・四角）」にも強い衝撃を受けたと言われています。ミロはその新聞の切り抜きを大切に保管していたとされ、その影響を受けて制作された作品の一つが「太陽の前の人物」です。
西洋の前衛芸術を代表するミロが、人生の晩年になって東洋の思想や美意識に新たな刺激を受けたことは非常に興味深いところです。
晩年 1970 – 1983
晩年になると、ミロはすでに世界的な芸術家としての地位を確立していました。しかし、その評価に安住することはありませんでした。
新しい素材や技法への興味を失うことなく、90歳近くになるまで創作活動を続けます。陶芸や彫刻、大型壁画などにも積極的に取り組み、生涯を通じて新しい表現の可能性を追い求めました。
また、若い頃から頑固な性格で知られたミロは、芸術市場や流行とも一定の距離を保ち続けました。
作品の価格や批評家の評価に振り回されることを嫌い、他人の期待に応えるためではなく、自らの好奇心と信念に従って制作を続けたのです。こうした姿勢は晩年になっても変わることなく、最後まで自分の芸術を追求し続けました。
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晩年の黒
晩年のミロは、人物や動物を描く際に黒を多用するようになります。この変化については様々な解釈があります。
研究者の中には、高齢となったミロが自身の老いや死を意識するようになった結果だと考える人もいます。一方で、黒を用いることで背景との強いコントラストを生み出し、画面により大きな緊張感や劇的な効果を与えようとしたと見る研究者もいます。
実際、晩年の作品では黒い線や黒い形が画面の中で強い存在感を放ち、それまで以上に力強い印象を与えています。
絵画以外の作品
ミロは若い頃から、絵画の伝統的な手法や材料の枠を打ち破ろうとしていました。その姿勢は晩年になっても変わることなく、新しい素材や技法を用いた作品制作に挑み続けます。
例えば、大型のタペストリー作品を数多く制作したほか、壁画では陶器を積極的に利用しました。また、絵画という平面表現だけにとどまらず、ブロンズやテラコッタによる彫刻作品も数多く手掛けています。
さらに興味深いのは、日常生活で使われていた道具や廃材などを組み合わせ、それらを作品の素材として再利用したことです。ミロにとって芸術とは絵筆とキャンバスだけで完結するものではなく、あらゆる素材が創作の可能性を秘めていたのでしょう。
タペストリー作品
彫刻作品
ミロが最初に彫刻作品を手掛けたのは1920年代、シュルレアリスム時代のことでした。しかし、本格的に彫刻制作へ取り組むようになるのは1960年代に入ってからで、すでに70歳前後となっていました。
多くの芸術家が晩年に創作意欲を失う中、ミロはむしろ新しい表現分野へ挑戦していきます。作品の多くは、古くから仏像などの鋳造にも用いられてきた「ロストワックス法」によって制作されました。
代表作の一つが「風の時計」で、ミロ独特の有機的なフォルムを見ることができます。また、「ミス・シカゴ」はアメリカのシカゴ市から依頼を受けて制作された巨大彫刻の原型として知られています。
これらの作品に登場する人物像は極限まで単純化されており、その姿はどこか原始彫刻や火山から噴き出した溶岩を思わせる力強さを持っています。
ミロは彫刻について、「彫刻は本来、野外に置かれるべきだ。そして木々や石、風景と一体にならなければならない」と語っています。
その言葉どおり、ミロの彫刻は美術館の展示室よりも、空や風、自然に囲まれた空間の中でこそ本来の魅力を発揮するのかもしれません。
パブリックアート
 地元バルセロナの最大手の銀行のロゴもデザイン |
ミロは、芸術は経済的に豊かな人や知識階級だけのものではなく、誰もが楽しめるべきものだと考えていました。
また、「作品は美術館の中だけに置かれるべきではない。街角や公園、通勤や買い物で人々が日常的に歩く場所にこそあるべきだ」とも語っています。
そして、その考えは実際の作品にも反映されました。バルセロナ空港の巨大壁画、ミロ公園のオブジェ、そしてランブラス通りのモザイクは、その代表例です。
これらはいずれも美術館の入場料を払わなくても誰でも見ることができ、ミロが理想とした「街の中の芸術」と言えるでしょう。また、この3作品には「ようこそバルセロナへ」という歓迎の意味も込められていると言われています。
中でもミロ公園にある高さ22メートルの巨大彫刻「女と鳥」は、ミロが89歳の時に完成させた晩年の代表作です。
さらに商業デザインの分野にも足跡を残しています。例えば、スペイン最大級の金融機関であるカイシャ銀行のロゴマークはミロのデザインによるもので、スペイン人で知らない人はほとんどいません。
バルセロナ市内を観光していると、気付かないうちに何度も目にすることになるはずです。
美術館の中だけでなく、街の中に芸術を解き放つ。それもまた、ミロが生涯を通じて目指したことの一つでした。
ミロ美術館
ミロ美術館は全部で22の展示室と6つの展示スペースから構成されていて、見学は基本的に1番から22番まで順番に巡る形となります。
館内には絵画をはじめ、彫刻、陶芸作品、タペストリー、オブジェなどが展示されています。
また、この美術館の特徴は、ミロの人生と作風の変化を時代順にたどれるよう構成されていることです。そのため、できれば展示室番号の順番通りに見学することをお勧めします。
特に晩年のミロが手掛けた大型絵画や彫刻、タペストリーなどは迫力があり、美術館全体もゆったりとした空間で構成されています。
一般的な見学所要時間は約1時間45分とされています。ただし、ミロの人生や作品の変遷に興味のある方でしたら、2時間以上かかることも珍しくありません。
なお、展示作品は定期的に入れ替えられているため、ここで紹介する内容と実際の展示内容が一部異なる場合があります。
以下の解説は、あくまで見学の目安としてお読みください。
展示室１
展示室① ムン・ロッチ時代
入場して最初の展示室①には、ミロが18歳の時に療養生活を送ったムン・ロッチ村で描かれた作品が多く展示されています。内容は美術学校時代の初期作品が中心で、後年のミロとは全く異なる作風を見ることができます。
1919年作の「ムン・ロッチ、教会と村」は、いわゆるミロの“細密主義時代”を代表する作品の一つです。ルネサンス以来の西洋風景画が遠近法によって奥行きを表現していたのに対し、ミロは日本の浮世絵やカタルーニャのロマネスク美術にならい、複数の視点や面を重ねることで空間を表現しています。
また、手前の畑は比較的単純に描かれているのに対し、奥に見える村の建物群は非常に細かく描き込まれており、その対比によって画面の奥行きが強調されています。さらに、斜面に沿って並ぶ建物や三角形の影が作り出すリズミカルな連続性は、当時ヨーロッパの前衛芸術界を席巻していたキュビスムの影響も感じさせます。
後の抽象的なミロしか知らない人にとっては意外ですが、この頃のミロは驚くほど緻密な描写力を持った画家でした。
展示室正面にある「夜、飛ぶ鳥たちに囲まれた女」は、ミロ75歳の時に制作された作品です。ベースとなっているのは、もともとブドウの運搬に使われていた布で、その上にキャンバスが貼り付けられています。
つまり、作品の中にもう一つの四角い表現空間が存在していることになり、いわば「絵画の中の絵画」とも言える構造になっています。また、「絵画（ワインボトル）」は、ミロがパリへ移り住んで間もない頃に描かれた作品です。
この頃のミロは“細密主義時代”から離れ、シュルレアリスムへと向かう転換期にありました。そのため、この作品には後のミロを特徴づける単純化された形や象徴的な表現がすでに現れ始めています。
この展示室の見どころは、若き日のミロが描いた初期作品と、その後の成熟した作品を同じ空間で比較できることです。後年のミロしか知らない人は、その画風の変化の大きさに驚かされるかもしれません。
展示室2
この展示スペースでは、ミロが遺した膨大な素描やスケッチの中から、バルセロナ出身の現代芸術家アントニ・リェナ（Antoni Llena）が選んだ作品が展示されています。
ここで分かるのは、ミロが思いついたアイデアや印象を常に紙に描き留めていたということです。完成作品だけを見ると直感的に制作していたようにも思えますが、その裏には日々の観察や試行錯誤の積み重ねがありました。
ミロにとって素描は単なる下書きではなく、新しい作品を生み出すための実験の場でもあったのです。ちなみに、この展示を監修したアントニ・リェナの作品は、バルセロナ市庁舎の横でも見ることができます。
個人的に少し残念なのは、展示されているデッサンの数があまりにも多いことです。もちろんミロの創作過程を知るうえでは貴重な資料ですが、一つ一つをじっくり見ようとすると情報量が多すぎて、途中で集中力が切れてしまうかもしれません。
もう少し作品数を絞った展示でも良かったのではないかと思います。とは言え、よく見ていくと後の代表作につながる重要なアイデアが数多く隠されています。
例えば「カタルーニャの農夫の顔」「アルルカンのカーニバル」「紺碧の金」など、後に完成作品となるモチーフや構図の原型を見ることができます。実際の完成作品を思い浮かべながら見比べると、ミロがどのように発想を膨らませ、作品へと発展させていったのかが見えてきて非常に興味深いところです。
展示室3
この部屋は各展示室をつなぐ中央サロンにあたり、ミロ美術館を代表する作品が数多く展示されています。
「自画像」については既にミロの生涯の項で紹介しましたが、1937年から1938年に描かれた作品の上に、23年後の1960年、大胆な加筆を施して全く別の作品へと生まれ変わらせたものです。
また、「絵画（白い手袋）」はミロらしい遊び心が感じられる作品の一つです。青い背景の中に浮かぶ白い手袋は、どこかユーモラスで親しみやすく、難解と思われがちなミロ作品の中では比較的分かりやすい作品と言えるでしょう。
ミロ美術館に展示されている数多くの作品の中でも、この絵は特に日本人女性に人気が高く、足を止めて見入っている方をよく見かけます。
1925年に描かれた「絵画」は、一見すると空を飛ぶ鳥のようにも見えます。
しかしミロ自身は、「私は空白に魅せられている。広がっていくシミのようなものを描きたい。私は虚空、それも完全な虚空にとても興味がある」と語っています。
また、「色あせた背景の上を、私の夢の段階を表す図像が横切っていく」とも述べており、ミロにとって重要だったのは鳥そのものではなく、広大な空間と、その中を漂うイメージだったことが分かります。
一方、「詩Ⅲ」は三連作の一つです。他の二作品もほぼ同じ構成ですが、それぞれ線や色の配置がわずかに異なっています。
ミロは、「絵画の空間とは白紙の上の画家の言葉である」と語っています。そのため、この作品に描かれた線や色、そして省略された文字は、何かを説明するための記号ではなく、空間との詩的な対話として存在しています。
また、「紺碧の金」は、フランスの詩人アルチュール・ランボーの詩に着想を得た作品です。ミロはランボーの『太陽と肉』の中にある、「どうして静寂の青は計り知れない空間にあるのか。どうして金の星々は砂にあふれているのか」という一節に強く惹かれました。
そして、その詩の世界をミロなりの方法で絵画として表現したのが、この作品です。
こうした例からも分かるように、ミロは文学、とりわけ詩から大きな影響を受けていました。彼の作品に見られる自由な線や色彩は、物語を語るというよりも、詩のように感覚やイメージを呼び起こすためのものだったのです。
この展示室には、三連作となる大型絵画が二組展示されています。中でも注目したいのが、「独房のための白い背景の絵」と「死刑囚の希望」です。
後者は、フランコ独裁政権末期のスペインで起きた実際の事件に関係しています。
サルバドール・プッチ・アンティックは、反体制組織のメンバーとして活動し、資金調達のために銀行強盗を繰り返していました。1973年、警察との銃撃戦の中で警察官1名が死亡し、アンティックは逮捕されます。
その後の裁判で死刑判決を受け、多くの知識人や芸術家が減刑を求めましたが、その願いは届かず、1974年に処刑されました。カタルーニャ出身のミロも、この事件に強い衝撃を受けた一人でした。そして制作されたのが三連作「死刑囚の希望」です。
皮肉なことに、この作品はアンティックが処刑された日に完成したと言われています。画面に描かれた一本の黒い線は、それぞれ途中で途切れています。
一般的には、この途切れた線は断ち切られた生命や、死刑を目前にした人間の不安や恐怖を象徴していると解釈されています。一見すると極めて単純な作品ですが、その背後にはフランコ体制下のスペイン社会と、一人の青年の死をめぐる重い歴史が存在しています。
展示室4
この展示室では、主にスペイン市民戦争の前後に描かれた作品が展示されています。
中でも代表作の一つが「排泄物の山を前にした男と女」です。作品については既にミロのプロフィールの項で解説しましたが、画面の半分近くを占める重苦しい黒い空と、その向こうに描かれた排泄物の山は強烈な印象を残します。
当時のスペイン社会は政治的対立が激化し、内戦前夜とも言える緊張状態にありました。そのため多くの研究者は、この作品に描かれた不安や不穏な空気を、ミロが感じていた時代への危機感の表れと考えています。
後にスペイン市民戦争が勃発したことを思えば、この作品はまるで悲劇の到来を予感していたかのようにも見えます。また、「人物」をはじめとする不気味な作品群も展示されており、いわゆるミロの“野生の絵画”の時代を代表する展示室となっています。
それまでの夢や詩情に満ちた作品とは異なり、不安や混乱、恐怖といった感情が色濃く表れた作品が多いのが特徴です。
ミロの作品は、何か一つの答えを示すための絵ではありません。人物に見える人もいれば、鳥に見える人もいるでしょう。
また、何も意味を探さず、ただ色や線の心地よさを楽しむだけでも構いません。
ミロは見る人に解釈を押し付けることなく、自由に想像力を遊ばせる余地を残してくれます。それこそが、ミロ芸術の大きな魅力の一つなのかもしれません。
展示室5,6,7,8
展示室5〜8には、日本人コレクターの勝田一正氏が2001年にミロ美術館へ寄託した「勝田コレクション」が展示されています。
これらの作品は、もともとニューヨークの著名な画商ピエール・マティスの画廊にあったものでした。ピエール・マティスは、フランスの巨匠アンリ・マティスの次男としても知られています。
ミロ美術館は開館にあたり、ミロ本人が寄贈した作品群を基礎としてスタートしました。その後、ミロの家族からも追加の寄贈が行われましたが、この32点からなる勝田コレクションは、美術館の所蔵作品をさらに充実させる重要な役割を果たしました。
勝田氏はその功績が認められ、ミロ美術館の評議員を務めるとともに、バルセロナ市の名誉市民にも選ばれています。
作品「開けた空から希望が戻る」は、一見すると子供の描いた絵のようにも見えます。しかし、この作品に見られる手形は、その後のミロ作品に繰り返し登場する重要なモチーフの一つです。
一説によるとミロは、手形を押す行為を単なる技法ではなく、作品との対話を始めるための儀式のように考えていたと言われています。また、この頃のミロは、絵を描くという行為そのものを重視するようになっており、完成した作品以上に、制作の過程や身体の動きに価値を見出していました。
その意味でも、この作品は晩年のミロ芸術を理解する上で興味深い一枚と言えるでしょう。
アメリカで隆盛した抽象表現主義の画家マーク・ロスコらに刺激を受けたミロが描いた作品が、「黄金の中の青に囲まれた雲雀の翼が、ダイヤモンドで飾られた草原に眠るひなげしの心に舞い戻る」です。
この時期のミロは、それまでとは異なる観点から絵画表現を模索していました。
作品は抽象的ではありますが、星や鳥、人といったモチーフが比較的分かりやすく描かれているため、シュルレアリスム時代の作品ほど難解には感じないかもしれません。
展示室9
この展示室でまず目を引くのが、大きな布に8本の傘が取り付けられた作品「8本の傘のソプレテシム」です。
いわゆるアッサンブラージュ（異なる素材を組み合わせた立体作品）の一種ですが、その意図を理解するのは容易ではありません。
また、焼け焦げたキャンバスを用いた作品「焼けた布」も展示されています。こちらもミロ晩年の実験的な作品の一つで、その評価については美術ファンの間でも意見が分かれるところです。
正直なところ、青の三部作のような完成度や普遍性を感じる人もいれば、難解すぎると感じる人もいるでしょう。
なお、美術館2階の展示室では「焼けた布」の制作過程を記録した映像が上映されています。そこではミロが従来の絵画の枠を壊そうとする姿勢を見ることができ、非常に興味深い内容となっています。
私には、ハチャメチャな危なっかしい爺さんの火遊びとも見えましたが、それとも大胆で革新的な表現への挑戦と見るか。その判断もまた、観る人に委ねられているのかもしれません。
そんな中で比較的分かりやすいのが、「太陽の前の人物」です。この作品は、1966年の来日時にミロが新聞で見た、江戸時代の禅僧・仙厓義梵の「○△□」に着想を得たと言われています。
単純な形だけで宇宙や世界の本質を表現しようとする禅の考え方に、ミロは強く惹かれました。一方で、「8本の傘のソプレテシム」や「焼けた布」は、かなり実験的な作品です。
また、この2作品はサイズも非常に大きく、晩年になるにつれてミロの作品が巨大化していく様子も見て取ることができます。
絵画、彫刻、陶芸、タペストリーと表現の幅を広げていったミロですが、その探究心は90歳近くになっても衰えることはありませんでした。
展示室10
展示室⑩は、建物の棟と棟をつなぐ廊下になっています。その廊下に展示されているのが、陶器作品「二つの顔を持つ石柱」です。
正面はミロらしい抽象的なデザインですが、裏側には植物を押し当てた跡が残されていて、自然との結び付きを感じさせます。ただ、日本人の目にはどこか花札の絵柄のようにも見えて面白いところです。
この作品は、ミロの長年の友人であり陶芸家でもあったジョセップ・リョレンス・アルティガスとの共同制作によるものです。
ミロは数多くの陶芸作品を残していますが、バルセロナ空港の巨大壁画やパリのユネスコ本部の壁画など、代表的な陶芸作品の多くはアルティガスとの共同制作でした。
また、この廊下からはテラスへ出ることができます。そこには「バルセロナ市のためのモニュメント計画（月、太陽、星）」が小さな池の中に展示されており、その向こうにはバルセロナ市街が広がります。
美術館の中でも特に開放感のある場所で、ミロの作品とモンジュイックの景色を同時に楽しむことができます。
尚、すぐ横にはベンチも用意されていますので、ここで少し休憩しながら美術鑑賞の余韻に浸るのも良いでしょう。
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| Alexander Calder, Fuente de mercurio | |
さらに廊下を進むと、左手に水銀を用いた不思議なオブジェが見えてきます。これはミロの作品ではなく、アメリカの彫刻家アレクサンダー・カルダーによる「水銀の泉」です。
作品には実際に有毒な液体である水銀が使用されているため、現在はガラスで囲まれた状態で展示されています。
この作品が特別なのは、その歴史的背景にあります。1937年のパリ万国博覧会スペイン館において、ピカソの「ゲルニカ」、ミロの「刈り入れ人」と共に展示された作品だからです。
当時のスペインは市民戦争の最中にあり、スペイン館は共和国政府を国際社会へアピールする場として作られました。カルダーは、反乱軍に包囲されたスペイン中部アルマデン鉱山の水銀を題材にこの作品を制作しています。
つまり、この「水銀の泉」は単なる抽象彫刻ではなく、スペイン市民戦争という時代を背景に生まれた歴史的な作品でもあるのです。
展示室11
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| タペストリー 1978 | 星座に向かって飛び立つ手 1974 |
この展示室で何と言っても目を引くのが、巨大なタペストリー作品、その名もシンプルに「タペストリー」です。
バルセロナの南に位置するタラゴナ出身の若手アーティスト、ジョゼップ・ロヨの協力のもと制作されたもので、麻布の上にアクリルウールや綿などを縫い付けて作られています。
その大きさと存在感は圧倒的で、美術館の中でもひときわ目を引く作品と言えるでしょう。
見る人によっては猫の顔のようにも見えるそうですが、ミロ自身が繰り返し用いた「女性」「星」「月」といったモチーフが組み込まれています。
また、この作品からも分かるように、晩年のミロは絵画だけにとどまらず、陶芸、彫刻、タペストリーなど様々な分野へ表現を広げていきました。
従来の「絵を描く画家」という枠に収まることなく、新しい素材や技法に挑戦し続けたミロらしい作品と言えるでしょう。
ちなみに、この作品は写真で見るより実物の方がずっと迫力がありますね。ミロの絵は小さな作品も多いのですが、このタペストリーは「空間そのものを支配する」という感じで、晩年のミロが作品の巨大化に向かっていった流れもよく分かります。
展示室12
展示室⑫では、絵画と彫刻の両方が展示されています。まず正面で目を引くのがオブジェ「アーモンドの花と戯れる恋人達」です。
これは1974年、パリの超高層ビル群で知られるラ・デファンス地区に設置するモニュメントの模型として制作されたものです。
実際に設置された作品は、この模型をはるかに上回る巨大なサイズで、ビルの3階ほどの高さがあります。
作品名の通り、左側が男性、右側が女性を表しています。男性像は男根を暗示し、女性の頭上にある赤い三日月は、もともと惑星だった球体を連想させます。
ミロによれば、この二つの組み合わせは宇宙における受胎や生命の誕生を表現したものだと言います。
また、「国王陛下、皇后陛下、皇太子殿下」も興味深い作品です。
こちらは古びた農具を組み合わせて作られており、一見するとユーモラスにも見えます。しかし、その背景には政治的なメッセージがあります。
フランコ独裁政権に批判的だったミロは、フランコの後継者として国王に指名されたファン・カルロス1世と王室に複雑な思いを抱いていました。
そのため、この作品には権威や権力に対する皮肉が込められていると考えられています。ただし歴史を振り返ると、ファン・カルロス1世は即位後、スペインの民主化を推進する重要な役割を果たしました。
そのため、この作品はミロの政治的立場と、その後のスペインの歴史の変化を考える上でも興味深い作品と言えるでしょう。
個人的には、この作品は「ミロ＝政治と距離を置いた芸術家」という単純なイメージを崩してくれる作品だと思います。
普段のミロは直接的な政治表現を避けるのですが、フランコ体制やカタルーニャの問題になると、意外なほど感情が表に出てきます。その一面が見える展示室ですね。
1960年代のミロは、日常生活で使われる様々な物を組み合わせ、多くのブロンズ彫刻を制作しました。「風時計」はその代表作の一つです。
作品を見ると、帽子を入れる四角い箱に木のスプーンが突き刺さっているだけのようにも見えますが、これはミロがイメージした風力で動く時計を表現したものです。
ミロの彫刻は、一見すると子供の工作のようにも見えますが、身近な物の組み合わせによって全く新しい世界を生み出そうとした点に特徴があります。
また、この展示室には「その日」も展示されています。ミロ作品では太陽が赤い丸で表現されることがよくありますが、白い背景の上に描かれると、私たち日本人にはどうしても日の丸を連想させます。
もちろん偶然かもしれませんが、この作品はミロが二度の来日を経験した後に描かれたものです。そのため、日本という国や日本文化への印象が、どこか作品の中に反映されているのかもしれません。
なお、これで1階フロアの展示は終了です。
次は2階へ進み、晩年のミロがどのように作品を制作していたのか、その創作の舞台裏を見ていきます。
2階と屋上
次に2階の展示です。まず目に入るのが、日本語ではそのまま「鳥」と題された大理石の大型彫刻作品です。
また、1階で紹介した「焼けた布」をはじめ、ミロの制作風景を記録した映像も上映されています。絵の具を投げつけたり、キャンバスを焼いたりする大胆な制作過程を見ることができ、晩年のミロの創作姿勢を知る上で興味深い内容です。
一方、展示室⑯以降の多くは、若手アーティストを支援するための企画展示スペースとなっています。
ミロ美術館が開館当初から掲げていた「新しい芸術家を支援する」という理念に基づくものですが、ミロ作品を目当てに訪れた方であれば、ここは軽く見る程度でも十分かもしれません。その意味では、2階は1階の常設展示を補完するフロアと考えると分かりやすいでしょう。
また、屋上テラスにはミロらしい鮮やかな原色で彩られた彫刻作品が展示されています。これらはブロンズ鋳造した作品に色を施したもので、どこかポップアートを思わせる雰囲気があります。
中でも「逃亡する娘」は、消費社会を象徴する様々な日用品を組み合わせて制作された作品です。
これらはミロが70代半ばに制作した作品ですが、晩年になるにつれ表現がより自由で単純化されていく様子が見て取れます。その傾向は、同時代を生きたピカソの晩年作品とも共通する部分があると言えるでしょう。
テラス
「作品は美術館に展示しておくものではない。むしろ街角や野原、通勤や買い物で歩く日常の道に置くべきだ」ミロは常々そう語っていました。
その考えは実際に形となり、ミロ美術館の外にも幾つもの彫刻やオブジェが設置されています。
ミロにとって芸術とは、一部の知識人だけのものではなく、誰もが日常の中で自然に出会うべきものでした。
美術館の見学を終えたら、ぜひ外にも足を運んでみてください。そこには展示室の中とはまた違った、青空の下で生き生きとしたミロ作品が待っています。
ショップ
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| ミニジグソーパズル | 哀愁漂うスノーボール |
カフェテリアのテラスにある作品を最後に見終えたら、出口へ向かいます。
建物を出て右手にはミュージアムショップがあります。ここではミロ美術館のコレクションをモチーフにしたオリジナルグッズが販売されていて、他では手に入らない物も少なくありません。
家族や友人へのお土産はもちろん、自分用の記念品を探してみるのも良いでしょう。
また、美術やデザイン関係の書籍を中心に扱う専門書店も館内の奥にあります。ミロに興味を持った方は、帰国後も楽しめる一冊を探してみるのもお勧めです。
以上でミロ美術館の見学は終了です。
ピカソやダリに比べると派手さはありませんが、自由に想像力を遊ばせながら作品と向き合えるのがミロの魅力です。
最初はよく分からなくても構いません。美術館を出た後、ふと気になってもう一度作品を思い出す。そんな不思議な余韻を残してくれるのがミロという芸術家なのかもしれません。
カフェテリア、レストラン
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ミロ美術館の良いところの一つは、バルセロナにある美術館の中でも特にゆったりと休憩できるカフェが併設されていることです。
観光で美術館を巡っていると、どうしても作品を見続けて疲れてしまいますが、ここでは途中で一息つきながら見学を続けることができます。
また、カフェの横にはモンジュイック公園の緑を眺められるレストランもあります。大きな窓の向こうに広がる木々を眺めながらランチを楽しめるので、時間に余裕があれば利用してみるのも良いでしょう。
ミロ美術館は作品だけでなく、建物、光、景色、そして空気感までも含めて楽しめる場所です。ぜひ時間に追われることなく、ゆっくりと過ごしてみてください。
行き方
バルセロナ市内からミロ美術館へ行く場合、一般的なのは地下鉄とフニクラ（ケーブルカー）を利用する方法です。
地下鉄でパラレル駅まで行き、そこから無料のフニクラに乗り換えるとモンジュイックの丘まで楽に上がることができます。
ただし、冬場はフニクラが定期点検などで運休することがあります。その場合はスペイン広場から150番の市バスを利用することになります。
また、それ以外の方法としてカタルーニャ広場から市バスを利用することもできます。乗り換えが不要なため、個人的にはこちらの方が分かりやすくお勧めです。
どちらのルートも動画で詳しく解説していますので、ご自身の旅行プランに合わせて参考にしてみてください。
地下鉄＋フニクラ
市バス55番
バス停の場所（地下鉄Urquinaona駅） https://goo.gl/maps/JkZDnCK6P7iWR5TR8
バス停の場所（カタルーニャ広場） https://goo.gl/maps/hWWaXmyht9L3mxaY7
市バス150番 スペイン広場より
冬季のフニクラが運休している時などに利用ください。バス停場所： https://goo.gl/maps/RnaduVrdWEELD6dU9
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【スペイン広場】 スペイン広場は、バルセロナ中心地へと入る西の玄関口です。空港と市内を… |
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【市バス利用解説】 バルセロナ市民の足となる市バスを、旅行者が使うのは一見難しそうですが細か…. |
まとめ＆アドバイス
ミロ美術館は市内中心部から少し離れたモンジュイックの丘にあるため、ピカソ美術館ほど混雑していません。とは言え、カタルーニャ広場から地下鉄やバスなどの公共交通機関を利用して約30分ほどで行くことができます。
また、美術館のコレクションも非常に充実しています。初期の細密主義時代から、シュルレアリスム、星座シリーズ、そして晩年の彫刻やタペストリーまで、ミロの創作活動の全体像をバランス良く見ることができます。
これは実は非常に貴重なことです。例えば、バルセロナで最も人気のあるピカソ美術館は素晴らしい美術館ですが、所蔵作品は初期作品と晩年の作品が中心です。
いわゆる全盛期の代表作の多くは既に世界中の美術館へ分散しているため、ピカソ芸術の全体像を把握するという点では少し物足りなさを感じる人もいるかもしれません。
また、展示の見やすさという面でもミロ美術館は優れています。作品数ではカタルーニャ国立美術館に及びませんが、その分だけ展示にまとまりがあり、一つ一つの作品を落ち着いて鑑賞できます。
チケットについては、余程のハイシーズンでない限り事前予約は必要ありません。また、バルセロナの主要美術館に入場できるアートチケットの対象施設でもありますが、基本的には4か所以上の美術館を訪れないと元は取りにくいので注意してください。
なお、美術館の展示作品は定期的に入れ替えが行われています。そのため、ここで紹介した作品の一部が実際の訪問時には展示されていなかったり、別の作品に変更されていたりすることがあります。
ただし、その都度すべての展示内容を追いかけて解説を書き換えるのは現実的ではありません。
そこで、この解説は作品を一つ一つ網羅することよりも、ミロの人生や創作活動の流れを理解しながら見学するための目安として作成しました。実際に訪れた際は、ここで紹介していない作品にもぜひ足を止め、ご自身なりのミロとの出会いを楽しんでいただければと思います。
日本人旅行者の訪問はそれほど多くありませんが、美術や現代アートに興味のある方には十分に訪れる価値のある美術館です。また、同じモンジュイックの丘にはロープウェーで行くモンジュイック城もありますので、合わせて観光すると効率良く回ることができるでしょう。
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【モンジュイック】 バルセロナの港と街が上空から一望できるお城は、元は要塞として作られ… |
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お勧め度：13点/20点 |
| 住所 | Parc de montjuïc 【地図はこちら】 |
| URL | http://www.fundaciomiro-bcn.org/ |
| TEL | 934 43 94 70 |
| 開館時間 | 11月-3月10:00～19:00、4月-10月10:00～20:00（日曜10:00～19:00） 閉館：月曜日 |
| 料金 | 公式サイトにてご確認ください。 |
| 行き方 | パルク・モンジュイック駅から徒歩4分（行き方動画を参照ください） カタルーニャ広場からは55番のバスで来ると終点ミロ美術館（Av Miramar – Fundació Joan Miró）より徒歩2分。（詳しくは解説動画をご覧ください） |
| 記事は取材時点のものです。現在とは記事の内容が異なる場合もありますのでご了承ください。間違った情報、また有用新情報、分かり難い点や質問等ございましたら情報共有いたしますので、サイト内の「バルセロナ観光情報掲示板」に書き込んでください。 |
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＠ | この記事を書いた人：カミムラ：生まれ京都府。1989年日本を離れバックパックをかついで海外へ。アジア、アフリカ、中南米、ヨーロッパを旅し1997年よりバルセロナに在住。。 記事最終更新 2026.06.04 |
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